Die Entwicklungsgeschichte des Impressionismus vor dem Hintergrund des gesellschaftlichen Lebens in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts steht im Zentrum dieses Vortrags. Dieses Seminar macht Sie anhand von Bildern und Texten mit der Entwicklungsgeschichte der impressionistischen Malerei, vor allem aber auch mit dem Zeitkolorit des literarischen und gesellschaftlichen Lebens in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts vertraut. vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

In diesem Jahr jährt sich der 100. Todestag von Claude Monet am 5. Dezember 1926. Monets Ölgemälde sind bis heute überall zu sehen, Ausstellungen seiner Bilder Garanten für einen Publikumserfolg und auch sein Garten in Giverny zieht jedes Jahr bis zu 700.000 Besucher an. Was macht diesen Reiz an seiner Kunst bis heute aus? Dieser Frage wollen wir uns im Vortrag stellen und sein Wirken bis heute genauer betrachten. vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

Als universelle Sprache verhandeln Haare seit Jahrtausenden soziale, kulturelle und politische Fragen – und bestimmen, wie Menschen sich selbst sehen und gesehen werden. Mit „HAAR – MACHT – LUST“ präsentiert die Kunsthalle München eine thematisch gestaltete, kulturübergreifende Ausstellung, die die vielfältigen Bedeutungen von Kopf- und Körperhaar in den Blick nimmt. Zu sehen sind rund 200 Exponate von der Antike bis zur Gegenwart – darunter Gemälde, Skulpturen, Fotografien, Videoarbeiten, Schmuckstücke, Möbel, Designobjekte und Couture-Kreationen – aus bedeutenden internationalen Sammlungen wie dem Prado, dem Louvre und dem Rijksmuseum. Ob lang, kurz oder rasiert, glatt oder gelockt – Haare sind weit mehr als eine Frage des Stils. Sie erzählen von Schönheit und Begehren, von Macht und Ohnmacht, von Anpassung und Rebellion. Frisuren signalisieren von jeher Status und Zugehörigkeit – ob im Alten Ägypten oder in der heutigen Selbstinszenierung. Zugleich prägt Haar unsere Vorstellungen von Geschlecht und Rolle: Es kann Normen bestätigen, unterlaufen oder wie im Drag bewusst überzeichnen. Unzählige Geschichten erzählen von der Macht des Haars. Und immer wieder setzt Haar ein politisches Statement – als Zeichen von Protest, Identität und Selbstbestimmung, bis hin zur Frage, wer über den eigenen Körper entscheidet. Dieser sinnliche und überraschende Streifzug durch drei Jahrtausende Kunst- und Kulturgeschichte verdeutlicht, welche Wirkmacht das scheinbar Alltägliche entfalten kann. Die Ausstellung ist bis 4. Oktober 2026 in der Kunsthalle München zu sehen. Die Kuratorin Juliane Au gibt in diesem Web-Vortrag einen spannenden Einblick in die Ausstellung und das kuratorische Konzept.

Von Aristoteles über Kant bis zu Adorno und Bourriaud – Theorien über Kunst spiegeln, wie Gesellschaft über Schönheit, Sinn und Zweck von Kunst nachdenkt. Wir gehen den Fragen nach: Was macht etwas zu Kunst? Wer entscheidet über Bedeutung und Wert? Und wie verändern sich diese Perspektiven im digitalen Zeitalter?

Wohnzimmer, Küchen und Schlafzimmer galten lange als komplett unpolitisch. Aber: diese Räume erzählen spannende Geschichte(n) von Rollenbildern, Machtverhältnissen und sozialen Normen. Von bürgerlichen Salons über die Frankfurter Küche bis zu heutigen Wohninszenierungen fragen wir: Was verrät das Private über seine Zeit?

1910 malt Kandinsky das erste abstrakte Bild – ein Skandal. Abstrakte Kunst bedeutete, auf Gegenständlichkeit zu verzichten und neue Ausdrucksformen zu erfinden. Warum faszinierte und provozierte Abstraktion gleichermaßen?

Um 1850 widmete sich die Malerei und Bildhauerei nicht mehr nur bedeutenden Themen und Gestalten - nun wurden einfache arbeitende Menschen zu Motiven. Die mit der Industrialisierung aufkommenden neuen Materialien wie die Ölfarben aus der Tube, Pinsel verschiedener Breiten und kleinere Leinwände waren ideal, um sie direkt im Freien zu verwenden. Im ausgehenden 19. Jahrhundert hinterfragten Künstler wie Arnold Böcklin ihre Zeit, indem sie Themen nicht mehr für in sich geschlossene Bilderzählungen nutzen, sondern Geheimnisvoll-Verborgenes anklingen ließen. Und neben der inhaltlichen Aufladung sorgte kurz vor 1900 dann der Jugendstil für eine Aufwertung der handwerklichen Qualität. vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

"Worpswede, Worpswede, Worpswede! Versunkene-Glocke-Stimmung! Birken, Birken, Kiefern und alte Weiden. Schönes braunes Moor, köstliches Braun! Die Kanäle mit den schwarzen Spiegelungen, asphaltschwarz. Die Hamme mit ihren schwarzen Segeln, es ist ein Wunderland, ein Götterland...!" Mit diesen Worten preist Paula Modersohn-Becker das am Rande des Teufelsmoors gelegene Künstlerdorf Worpswede. Hier hat sie zusammen mit Fritz Mackensen, Heinrich Vogeler, Otto Modersohn, Hans am Ende, Clara Rilke-Westhoff u.a. gearbeitet. Prägend für ihr Schaffen wurden aber auch ihre Aufenthalte in der Kunstmetropole Paris, wo sie die künstlerische Avantgarde für sich entdeckte: Rodin, Cézanne, Gauguin... Der Vortrag stellt Ihnen die künstlerische Entwicklung Paula Modersohn-Beckers vor und beleuchtet anhand ausgewählter Texte auch ihre Begegnung mit dem Dichter Rainer Maria Rilke.  vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

Nach einem Begrüßungssecco führt die Tour von der Stuttgarter Weinlage "Obere Mönchhalde" mit tollem Rundumblick durch den Weinberg bis zur "Unteren Mönchhalde" mit seinen beeindruckenden Weinbergsmauern und einer ehemaligen Kelter. Der Weg in die Stadt führt über eine Staffel zum Kriegsbergturm, dem chinesischen Garten und dem Postdörfle. Die Wanderung endet in der Vinothek in der Breite Str. (Fahrt mit Bus, zusätzliches VVS-Ticket erforderlich). Bei einer Brezel werden zwei Stuttgarter Weine verkostet. Preis inklusive 1 x Secco, 3 x Wein, Wasser und Brezel.

Farbe ist eines der stärksten Ausdrucksmittel der Malerei. Von Goethes Farbenlehre über Seurat und den Pointillismus bis zu Rothkos Farbräumen erkunden wir, wie Farbe emotional wirkt, wissenschaftlich erklärt wird und zu einem eigenständigen Thema der Kunst wird.

Ein unbekannter Park zwischen Stuttgart-West und Heslach bietet verwunschene Ecken, interessante Kulturgeschichte und ein "verzaubertes" Freilichtmuseum in einem Garten der Renaissance mit vielen Skulpturen und Resten von berühmten Gebäuden der Stuttgarter Geschichte. Hier befand sich auch die im 19. Jahrhundert berühmte "Silberburg" und ein Weinberg der Stadt Stuttgart. Der Chemiefabrikant und Inhaber der BASF in den 1870er Jahren, Gustav Siegle, baute sich seine pompöse Villa, von der nur noch der rätselhafte Athene-Brunnen zeugt. Die Villa Gemmingen, heute im Besitz der Freifrau von Tessin, zeigt sich aber weiterhin in ihrer ganzen Pracht. Im Lapidarium, einem Freilichtmuseum der Stadt Stuttgart, gibt es zum Abschluss noch eine zusätzliche Führung (im Preis inbegriffen).

Fast 20 Jahre lang jagte sie Kunstfälscher und entlarvte angebliche Meisterwerke von Kirchner bis Kandinsky. Mit akribischer Detektivarbeit kommt sie den Fälschern auf die Schliche. Wie kommt ein Picasso in die Tüte und Dali-Zeichnungen unter das Bett? Die ehemalige Kunstfahnderin gibt einen faszinierenden Einblick in die Welt der Kunstkriminalität.

Schon zu Lebzeiten galt Rembrandt van Rijn als einer der bedeutendsten und berühmtesten Künstler seiner Epoche. Bereits im Alter von 19 Jahren eröffnete er eine eigene Werkstatt, mit etwa 30 Jahren war er einer der gefragtesten und teuersten Porträtmaler Amsterdams. Als leidenschaftlicher Kunstsammler besaß er unter anderem Werke und Druckgrafiken von Künstlern wie Peter Paul Rubens, Albrecht Dürer und Andrea Mantegna sowie antike Skulpturen, mittelalterliche Manuskripte, exotische Kuriositäten und wertvolle Instrumente. Die talentiertesten Künstler seiner Zeit betrachteten es als große Ehre, Schüler Rembrandts zu sein. Mit zunehmendem Alter verlor er nichts von seiner Meisterhaftigkeit – im Gegenteil: Seine Kunst erreichte eine neue Dimension und bis dahin kaum gekannte Tiefe und Ausdruckskraft. Wie konnte es geschehen, dass ein solcher Künstler schließlich in Armut und weitgehender gesellschaftlicher Isolation starb und für fast 200 Jahre vergessen wurde? Und wie kam es, dass sein Werk nach seinem Tod lange Zeit unterschätzt wurde, bevor man sein Genie Jahrhunderte später wiederentdeckte? vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

Mit einer Fläche von rund 21 Hektar ist der 1873 eröffnete Pragfriedhof Stuttgart der drittgrößte Friedhof der Stadt. Besonders bemerkenswert ist das im Jugendstil gestaltete Krematorium, das architektonisch einzigartig ist. Auf dem Pragfriedhof sind zahlreiche bedeutende Persönlichkeiten bestattet. Dazu zählen unter anderem der Maler und Bildhauer Willi Baumeister, der Schriftsteller und Dichter Eduard Mörike, die bekannte Opernsängerin Anna Sutter sowie der Unternehmer und Schokoladenfabrikant Eduard Otto Moser. Der Friedhof ist nicht nur Ruhestätte zahlreicher Prominenter, sondern auch kulturgeschichtlich von Bedeutung: Er gilt als erster kommunaler Friedhof Stuttgarts mit Krematorium. Bei einem Rundgang lässt sich sowohl die architektonische Gestaltung als auch die wechselvolle Geschichte dieses bedeutenden Friedhofs erleben.

Veit Heller ist ein vielseitiger Künstler, der sich in erster Linie mit Malerei, Graphik und Druckgraphik aber auch mit Objektkunst verschiedenster Materialien beschäftigt. Seine Werke zeichnen sich durch Experimentierfreude und Materialvielfalt aus. Bei diesem Atelierbesuch öffnen wir die Türen zu einem besonderen Kunstschaffenden und erhalten exklusive Einblicke in den künstlerischen Prozess, die Arbeitsweise und die Inspiration hinter den Werken.

Zum 100. Geburtstag von Hans Dieter Bohnet (1926–2006) zeigt die Städtische Galerie Böblingen unter dem Titel „In der Klarheit liegt die Kraft“ die erste umfassende Retrospektive seines bildhauerischen Werks. Seit der Nachkriegszeit prägte der zunächst Architektur studierende Künstler mit Großplastiken, Reliefwänden, Brunnen- und Parkanlagen sowie Kunst-am-Bau-Projekten den öffentlichen Raum weit über den Landkreis Böblingen und die Stuttgarter Region hinaus. Besonders seit den 1970er-Jahren bewegen sich seine Arbeiten zwischen konstruktivistischer Strenge und klarer Formensprache, geprägt von stereometrischen Grundformen wie Kugel, Oktaeder und Kubus, die zu seinen charakteristischen Gestaltungselementen wurden. Die sich über zwei Stockwerke erstreckende Ausstellung gibt einen Überblick über alle Schaffensphasen – von den frühen informellen und experimentellen Arbeiten der 1940er-, 1950er- und 1960er-Jahre bis in die 2000er-Jahre – und zeichnet seine Entwicklung hin zu einer konsequent geometrischen Gestaltung nach. Zugleich richtet sie den Blick auf die Bedeutung von Kunst im öffentlichen Raum. Ergänzt wird die Schau durch selten öffentlich gezeigte Skulpturen seines Akademielehrers Otto Baum (1900–1977) sowie durch Arbeiten seiner Tochter, der Berliner Malerin Nicole Bohnet (*1971). An diesem Abend erfahren Sie bei einem Aperol Wissenswertes zur Ausstellung in einer kurzweiligen Führung mit der Kuratorin Corinna Steimel.

Botnang war über Jahrhunderte hinweg ein Dorf, das vor allem von Wäscherinnen, Wäschern und Bleichern geprägt war. Bei unserem Rundgang lernen wir die spannende Ortsgeschichte dieses abgelegenen, aber reizvollen Stadtteils kennen. Dabei erfahren wir auch Interessantes über die linke Arbeiterbewegung der 1920er Jahre sowie über den Dichter Eduard Mörike, der in einer Botnanger Wirtschaft gerne Most genoss. Im zweiten Teil führt uns der Weg durch den Wald zum Schloss Solitude. Hier zog sich der württembergische Herzog Carl Eugen von Württemberg in luxuriöse Einsamkeit zurück. Jahre später unternahm auch der Dichter Ludwig Börne hier eine unterhaltsame Landpartie, bei der er den braven Stuttgarter Bürgerstöchtern den Kopf verdrehte. Für die etwa 6 km lange Wanderung, die rund 3,5 Stunden dauert, sind gute Kondition und festes Schuhwerk erforderlich. Gerne können Sie ein Vesper mitnehmen.

Die Veitskapelle im Stuttgarter Stadtteil Mühlhausen ist ein hochkarätiges spätgotisches Kleinod. Sie gilt als eine der kunsthistorisch bedeutendsten Kirchen im süddeutschen Raum. Sie ist berühmt für ihre seltenen, farbenprächtigen Wand- und Gewölbemalereien aus dem Spätmittelalter, die in ihrer Vollständigkeit und Qualität als einmalig nördlich der Alpen gelten. Die spätgotische Kapelle, gestiftet von den Brüdern Reinhart und Eberhart von Mühlhausen, birgt bis heute nicht nur im Kirchenschiff einen außergewöhnlichen Bilderschatz. Damaligen Besuchenden bot sich im Inneren der Kapelle ein überwältigend farbenprächtiger Anblick – gleichsam ein Vorgeschmack auf das himmlische Paradies. Die Wandmalereien erzählen in eindrucksvoller Weise biblische Geschichten: von Szenen aus der Genesis bis hin zum Neuen Testament. An der Chorbogenwand erscheinen Propheten und Apostel, während am Westportal das Jüngste Gericht sowie die vier Evangelisten dargestellt sind. Zum Chor hin verdichtet sich das Bildprogramm weiter. Dort befand sich knapp 100 Jahre lang der um 1385 entstandene sogenannte Mühlhausener Altar, der heute in der Staatsgalerie Stuttgart aufbewahrt wird. Auf der Rückseite sind die Stifterbrüder dargestellt. Im Zentrum der Kapelle steht jedoch die Legende des heiligen Vitus, des Namenspatrons der Kirche. Liebevoll ausgeführte Details – etwa in der Darstellung der Heimsuchung – offenbaren dem aufmerksamen Betrachter überraschende Einzelheiten. Die Wandmalereien wurden niemals übertüncht und sind die besterhaltenen mittelalterlichen Wandmalereien nördlich der Alpen. Der Besuch dieser besonderen Sehenswürdigkeit ermöglicht eine faszinierende Zeitreise in die vielschichtige Glaubens- und Bilderwelt des Mittelalters.

Das Stadtarchiv Stuttgart versteht sich als Gedächtnis der Stadt und bildet das Kompetenzzentrum für Stadtgeschichte. Im Stadtarchiv Stuttgart gibt es aber nicht nur Akten, Fotos, Bücher oder Plakate – es werden auch Gemälde gesammelt. Dazu gehören Ansichten der Stadt sowie Bilder von Gebäuden, Straßen oder Natur. Zudem gibt es hier Bildnisse von Personen, die mit Stuttgart in Verbindung stehen: von Berühmtheiten wie Friedrich Schiller bis hin zu Menschen, die heute fast vergessen sind. Schließlich werden auch Gemälde von Ereignissen der Stadtgeschichte gesammelt, die von Künstlerinnen und Künstlern im Bild festgehalten wurden. Die Führung gibt einen exklusiven Einblick in die umfangreiche Sammlung und findet direkt im klimatisierten Gemäldemagazin des Stadtarchivs statt.

In dieser Tour werden Sie einige der faszinierendsten Graffiti-Kunstwerke der Stadt Stuttgart entdecken und mehr über die Künstler und ihre Arbeit erfahren. Gemeinsam werden zu Fuß die verschiedenen Stadtviertel Stuttgarts besichtigt. Hier finden Sie eine Mischung aus traditionellen Graffiti-Styles und avantgardistischen Street-Art-Kreationen. Lassen Sie sich von den lebendigen Farben und den kreativen Designs inspirieren. Geleitet wird diese Führung von Graffitiartist Maximilian Frank. Inzwischen hat Frank sich nicht nur in der Region Stuttgart einen Namen gemacht, indem er kommunale Gebäude, Bahnhofsunterführungen und Fassaden von städtischen Gebäuden gestaltet, sondern auch in der Graffiti Szene mit seinem Pseudonym „Rast“ internationale Bekanntheit erreicht. Seit 2022 ist Maximilian Frank Mitglied der weltweit bekannten Gruppierung „FX-Crew“, welche 1992 in der New York Bronx gegründet wurde. Durch diese Gruppierung war er an verschiedenen Fassadengestaltungen in New York, Los Angeles und Peking beteiligt.

2024 wurde der Neubau des Stiftungsgebäudes der Sammlung Froehlich der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Seitdem bietet sich die Möglichkeit die vom Sammlerehepaar Anna und Josef Froehlich über viele Jahre hinweg erworbenen Kunstwerke zu betrachten und auch die Gelegenheit das gesamte Kunstgebäude kennen zu lernen. Während der Architekturführung erfahren Sie von der Entstehungsgeschichte des Baus, seiner Architektin, den besonderen stilistischen Merkmalen und dem außergewöhnlichen Energiekonzept. Sie lernen das Untergeschoss mit der Präsentation der Lichtkunst und den graphischen Arbeiten kennen, blicken im Erdgeschoss in das Schaudepot mit seiner Petersburger Hängung und verweilen abschießend im Obergeschoss im lichtdurchfluteten Konferenz- und Veranstaltungsraum mit Blick über die Dachterrasse in die kleine gärtnerisch gestaltete Freianlage. Die Gebühr ist die Aufwandspauschale der vhs., die Führung und der Eintritt sind kostenfrei.

Dieser Vortrag spannt einen inhaltlichen Bogen von der Stilllebenmalerei des Barock bis zur revolutionären Gestaltung der „Frankfurter Küche“. Essen ist nie nur Nahrungsaufnahme. Von opulenten Stillleben bis zur funktionalen Moderne zeigt sich die Tafel als Ort sozialer Ordnung, Macht und Inszenierung. Der Vortrag verbindet Kunst und Design und macht sichtbar, wie sich gesellschaftliche Werte im scheinbar Alltäglichen spiegeln.

Die Welt kennt Ronnie Wood als Gitarrist der Rolling Stones – doch lange bevor er die Bühnen der Welt betrat, war er Künstler. Nach seinem Kunststudium hielt er die Leidenschaft fürs Malen sein Leben lang aufrecht, parallel zu einer der größten Karrieren der Rockgeschichte. Die Ausstellung "Ronnie Wood. The Artist" im Neuen Kunstmuseum Tübingen zeigt eine andere Seite dieses außergewöhnlichen Mannes: Werke, in denen er sich mit den Alten Meistern auseinandersetzt – darunter Delacroix, Rembrandt und El Greco – und ihre Bildwelten in seiner ganz eigenen Handschrift neu interpretiert. Daneben präsentiert er Hommagen an die Ikonen der Rock- und Popmusik: von Elvis Presley bis Amy Winehouse. Das Neue Kunstmuseum Tübingen, das im Frühjahr 2025 eröffnete, schafft einen neuen Zugang zur Kunst und ist auch als Gebäude ein architektonisches Highlight. An diesem Abend haben Sie die exklusive Gelegenheit, die Ausstellung in einer Sonderführung außerhalb der Öffnungszeiten des Museums zu erleben.

Wie hat sich die monumentale Wandgestaltung von antiken Wandmalereien über barocke Deckenfresken bis hin zur digitalen Projektion gewandelt? Wände sind mehr als Begrenzung - sie werden zu Bildträgern. Von illusionistischen Fresken bis zu immersiven Projektionen zeigt sich, wie Räume durch Bilder erweitert und transformiert werden. Der Vortrag verfolgt, wie sich Techniken verändern und mit ihnen die Art, wie Geschichten im Raum erzählt werden.

Das SCHAUWERK Sindelfingen zeigt ab 27. September 2026 monumentale Skulpturen und Installationen der drei international erfolgreichen brasilianischen Künstler:innen Vivian Caccuri, Lucia Koch und Henrique Oliveira. Für die Ausstellung ANATOMY OF PRESENCE entstehen eigens für das SCHAUWERK neu konzipierte, großformatige Werke: von begehbaren organischen Strukturen, über eindrückliche Klangwelten bis zu immersiven Lichtinstallationen. Die drei Künstler:innen treten in einen direkten Dialog mit dem menschlichen Körper und verwandeln das Museum in eine vibrierende Landschaft sinnlicher, individueller und kollektiver Erfahrungen. Damit stehen sie in einer Tradition der Installationskunst, die sich in Brasilien seit den 1960er Jahren als eigenständige Form entwickelte. In einer zunehmend virtuellen Welt setzt die Ausstellung einen deutlichen Kontrapunkt: Sie lädt Besucher:innen zu einem Parcours ein, um die eigene Körperlichkeit und die Umgebung bewusst wahrzunehmen.

Mit der Industrialisierung verändert sich das Tempo der Welt. Neue Verkehrsmittel und technische Entwicklungen lassen Bewegung und Geschwindigkeit zu zentralen Themen werden. Der Vortrag zeigt, wie sich diese Erfahrung in Kunst und Fotografie niederschlägt und wie traditionelle Bildformen und Techniken ins Wanken geraten!

Dieses Gemälde ist eines der berühmtesten politischen Bilder der Kunstgeschichte. Im Zentrum steht die Frage, wie Jacques-Louis David sein Werk gezielt zur Heroisierung und ideologischen Inszenierung einsetzte. Anhand von Bildaufbau, Symbolik und historischem Kontext wird gezeigt, wie aus einem politischen Mord ein ikonisches Märtyrerbild der Französischen Revolution werden konnte.

Hart, ja steinig, war der Weg für talentierte Malerinnen, die vor 1900 häufig nur als Künstlertöchter die Chance hatten, eine solide handwerkliche Ausbildung zu erhalten. Anhand bedeutender Werke werden die Lebenswege, Konflikte und Ambitionen dreier außergewöhnlich begabter Künstlerinnen anschaulich: Anna Dorothea Therbusch (1721 als Lisiewska in Berlin geboren), Angelika Kauffmann (1741 in Chur zur Welt gekommen) und die Bekannteste unter den dreien: Paula Modersohn-Becker (geboren 1876 in Dresden). Ideelle und finanzielle Unterstützung waren für Künstlerinnen ihrer Zeit keineswegs selbstverständlich. Gesellschaftliche Erwartungen hielten Frauen vielfach in traditionellen Rollenbildern als Ehefrau, Hausfrau und Mutter gefangen und erschwerten ihre künstlerische Entfaltung erheblich. Nur die kinderlos gebliebene Angelika Kauffmann, die zunächst von ihrem Vater und später auch von ihrem Ehemann unterstützt wurde, gelang in London und zuletzt in Rom der Durchbruch. Die drei Künstlerinnen stehen exemplarisch für unterschiedliche Epochen und Orte, in denen ihnen der Zugang zu weiterbildenden Akademien, Ausstellungsbetrieben sowie zu offizieller Anerkennung durch Preise und Auszeichnungen lange Zeit stark erschwert oder ganz verwehrt blieb. vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

Die Nacht ist lange ein Raum des Unbekannten - bis künstliches Licht sie verändert. Mit Gaslicht und Elektrizität entstehen neue Bilder der Stadt, neue Stimmungen und neue künstlerische Möglichkeiten. Besonders in der Malerei und der frühen Fotografie wird das Spiel von Licht und Dunkelheit zum zentralen Thema: flirrende Straßenlichter, tiefe Schatten, unscharfe Konturen. Der Vortrag zeigt, wie Künstler:innen die Nacht neu sehen lernen und wie Licht zum entscheidenden Gestaltungsmittel der Moderne werden soll.

Ein „Chamäleon der Kunst“ wird er genannt: Gerhard Richter setzt sich mit fotorealistischen Arbeiten auseinander, schafft abstrakte Farblandschaften u. v. m. und wechselt in seiner Malerei immer wieder Technik, Motive und Stil. Die Kunsthistorikerin Anette Ochsenwadel gibt in diesem Vortrag einen Einblick in das vielfältige Werk des 1932 in Dresden geborenen Künstlers, der sich über seine Malerei einmal wie folgt äußerte: „So war das Malen der Versuch, die Möglichkeit zu erproben, was Malerei überhaupt noch kann und darf.“ vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

Skulpturen sind (meist) starr und können doch so voller Bewegung sein. Seit der Antike suchen Künstler:innen Wege, Dynamik im unbeweglichen Material sichtbar zu machen. Der Vortrag zeigt, wie sich Vorstellungen von Körper, Spannung und Bewegung verändern. … bis hin zu Werken, die sich tatsächlich bewegen.

Drei Künstler, drei Epochen, drei unterschiedliche Vorstellungen der biblischen Figur des David. Im Mittelpunkt der Betrachtung stehen Körperdarstellung, Ausdruck, Bewegung und der gewählte Moment im Kampf gegen Goliath. Ein kompakter Vergleich dreier Meisterwerke der europäischen Skulpturgeschichte.

Nicht jedes Werk strebt nach Perfektion. Skizzen, Fragmente und bewusst Unfertiges eröffnen eigene ästhetische Qualitäten. Von antiken Torsi bis zu modernen Prozessen wird sichtbar, wie das Unvollendete, das non finito, Spannung erzeugt und warum ausgerechnet das Offene und nicht fertige besonders eindringlich wirkt.

Als junger Mann brach Camille Corot im frühen 19. Jahrhundert mit den damals in Frankreich herrschenden Regeln der Malerei. In seiner Ausbildung lernte er sowohl die traditionelle Ateliermalerei als auch das unmittelbare Arbeiten in der freien Natur, die sogenannte „Plein-Air-Malerei“, kennen. Der poetische, zugleich realistische Grundton seiner Landschaften sowie die Innigkeit und Unmittelbarkeit, mit der er Menschen darstellte, machten seine Werke für viele Zeitgenossen zu einer wertvollen Inspirationsquelle. Darüber hinaus wurde Corot zu einem Wegbereiter der späteren Künstlergeneration der Impressionisten. Sein Einfluss ist dabei von großer Bedeutung: Camille Pissarro und Berthe Morisot wählten ihn als ihren Lehrer; bei Edgar Degas, Claude Monet und selbst Pablo Picasso stand Corot in hohem Ansehen. Entdecken Sie das Werk und das künstlerische Umfeld dieses herausragenden Künstlers. vhs.KulturKarten-Veranstaltung Weitere Informationen zur vhs.KulturKarte: www.vhs-kulturkarte.de

Der erste Blick entscheidet - manchmal zu schnell. Wahrnehmung folgt Mustern, Erwartungen und Routinen. Der Vortrag versucht, diese Prozesse sichtbar zu machen und zeigt, wie sich der eigene Blick verändern lässt. Ein Zugang zur Kunst, der weniger Wissen voraussetzt und mehr Aufmerksamkeit verlangt…

Esslingen am Neckar – einst Freie Reichsstadt und lange Zeit wirtschaftliche Konkurrentin der Residenzstadt Stuttgart – beeindruckt bis heute mit ihren gut erhaltenen Fachwerkhäusern, freiherrlichen Palästen und ehemaligen klösterlichen Pfleghöfen. Der Aufstieg Esslingens begann bereits im frühen Mittelalter. Der Legende nach brachte Abt Fulrad die Reliquien des heiligen Vitalis von Mailand nach Esslingen. Die Verehrung des Heiligen machte die Stadt zu einem wichtigen Wallfahrtsort und förderte ihren wirtschaftlichen Aufschwung. „Wenn der Pilger zu den Knochen tingelt, der Groschen in der Kasse klingelt!“ – das war der Beginn des Wohlstandes in Esslingen. Im Mittelalter entwickelte sich Esslingen zudem durch seine günstige Lage an bedeutenden Handelswegen zu einem florierenden Handelszentrum. Ab dem 13. Jahrhundert gewann auch der Weinbau zunehmend an Bedeutung. Zahlreiche geistliche Orden ließen sich in der Stadt nieder und auswärtige Klöster errichteten die bis heute erhaltenen Pfleghöfe zur Verwaltung ihrer Besitztümer und Weinberge. Während des Rundgangs erfahren wir zudem Wissenswertes über SchriftstellerInnen und DichterInnen, die mit Esslingen verbunden sind. Anschließend besuchen wir die Sektkellerei Kessler, Deutschlands älteste Sektkellerei. Bei einer Kellerführung erhalten wir Einblicke in die traditionelle Sektherstellung; ein Glas Sekt ist inklusive. Auf Wunsch Einkehr in die Gaststätte „Einhorn“. Bitte geben Sie bei der Anmeldung an, ob eine Einkehr erwünscht (auf eigene Kosten).